Загадки Санкт-Петербурга

Вход для учителя
Вход для ученика

Алфавитный указатель статей

А
27 статей
Б
19 статей
В
11 статей
Г
10 статей
Д
12 статей
Е
3 статьи
Ё
Нет статей
Ж
6 статей
З
7 статей
И
7 статей
Й
Нет статей
К
21 статья
Л
6 статей
М
26 статей
Н
12 статей
О
6 статей
П
37 статей
Р
13 статей
С
34 статьи
Т
21 статья
У
Нет статей
Ф
11 статей
Х
1 статья
Ц
5 статей
Ч
2 статьи
Ш
4 статьи
Щ
Нет статей
Ъ
Нет статей
Ы
Нет статей
Ь
Нет статей
Э
3 статьи
Ю
1 статья
Я
Нет статей

Скульптура

автор — Чижик

Скульптура

Развитие скульптуры неразрывно связано с развитием человеческой цивилизации. Когда внутренний, духовный мир доисторического человека начал усложняться, у него появилась потребность выразить свои переживания, чувства, идеи и творческую фантазию. Первоначально эти внутренние переживания передавались окружающим с помощью звуков, жестов, мимики и телодвижений (см. Музыка, Танец, Театр). Позднее первобытный человек нашел и иные способы, когда обнаружил, что свои мысли и образы можно выразить посредством создания красочных изображений (см. Живопись), а также путем преображения различных природных материалов (костей животных, глины, камня (см. Камни и минералы), дерева, много позже металлов). Так появились скульптурные изображения. Поскольку первобытные племена были кочевыми, они не создавали монументальных скульптур, а если иногда и появлялись большие скульптуры, то они не сохранились. Резные фигурки малых форм изображали, как правило, животных, на которых охотился древний человек (быков, лошадей, козлов, мамонтов, львов). Эти фигурки служили также и амулетами для привлечения удачи в охоте. Значительное место в жизни первобытных людей на территории Европы занимал пещерный медведь, который являлся не только источником пищи: его шкуру использовали для того, чтобы шить одежду, а кости — в качестве орудий и материала для поделок. Победа над медведем также освобождала человеку пещеру — укрытие, жилище. Чтобы победить этого грозного зверя, люди устраивали ритуальные охотничьи пантомимы вокруг скульптуры медведя. Поначалу это была просто груда камней с водруженной на нее головой настоящего медведя. Позже фигуры становились все более приближенными к реальности. Делали их из глины. До нашего времени сохранилось очень мало таких скульптур, в основном во Франции, поскольку многие подобные бескаркасные глиняные фигуры погибали еще во время охотничьих пантомим.

Многочисленными были и статуэтки с изображением человека. Женские фигурки были символами плодородия, процветания, домашнего очага. Примером такой статуэтки может служить так называемая Венера Виллендорфская, хранящаяся в венском Музее естественной истории. Другие статуэтки посвящались культу предков и миру духов. Не исключено также, что некоторые фигурки принадлежали детям и были не только ритуальными предметами, к которым обращались с просьбами о помощи и покровительстве, но и простыми игрушками. Возможно, с тех далеких времен в фольклоре и поэзии разных народов и прослеживаются легенды о гончаре, который вылепил из глины первых людей (такова, например, история сотворения Адама в Ветхом Завете; см. Религия), а также обыгрывается мотив оживления человеком куклы. Этот мотив был использован и в еврейской легенде XVI в. о Големе, согласно которой известный каббалист рабби Иегуда Лев бен Бецалель сотворил из красной глины и оживил с помощью заклинаний искусственного человека, использовавшегося для трудных работ и защиты евреев от погромов.

Скульптура, в которой помимо прочих функций важную роль играла эстетическая, появилась в Древнем Египте. Бóльшая часть наших знаний об этой цивилизации основывается на гробницах, которые богато украшали скульптурными изображениями и барельефами. У египтян сложился свой стиль изображения фигур, просуществовавший без изменений 2500 лет: на барельефах корпус тела и один глаз обращены к зрителю, а голова и ноги изображены в профиль. Для египетской круглой, объемной скульптуры был характерен геометрический подход, эти фигуры выглядят неподвижно, статично. Поскольку в скульптурах запечатлевали в основном фараонов, то такое отсутствие движения или действия демонстрировало божественную природу фараона — его существование вне времени. Впечатляющим примером воплощения богоподобного фараона, высеченного в камне, является большой сфинкс рядом с нижним храмом пирамиды Хефрена в Гизе. Этот сфинкс, как и большинство египетских скульптур, был раскрашен, однако до нашего времени краска не сохранилась. В последнюю эпоху существования Древнего Египта традиционная неподвижность египетского искусства стала эволюционировать (изменяться) в сторону большего реализма, контуры и пластика становились более гибкими и менее геометричными. От этой эпохи до нашего времени сохранился великолепный бюст царицы Нефертити.

У древних народов, населявших Ближний Восток, было самобытное искусство скульптуры, отличное от древнеегипетского. Если у египтян в основе формы скульптуры лежал куб, то у древних шумеров эту роль выполняли конус и цилиндр. Руки и ноги высеченных из мрамора персонажей похожи на трубы, а их одежды как будто выточены на токарном станке. Портретное сходство не было важным для мастера, потому тела выполнены довольно схематично. Но шумеры уделяли большое внимание глазам статуй, их делали из цветных драгоценных камней.

Скульптура Древней Греции претерпела существенные изменения в своем развитии. Ранняя греческая скульптура очень напоминает египетскую: фигуры выглядят нескладными, скованными, не очень натуральными; впрочем, есть и отличия: греческие мастера старались передать напряжение и внутреннюю энергию персонажа. Как и египтяне, греки богато украшали рельефами каменные храмы, однако у греков эти изображения служили не только украшением стен, но и являлись самостоятельными художественными произведениями. Объемная скульптура в архитектурных сооружениях играла также функциональную роль: портик храма Эрехтейона на Афинском акрополе вместо колонн поддерживают шесть кариатид (см. Атланты). Если ранние греческие мастера достигли значительных успехов в передаче в рельефах движения фигур, то сообщить ту же свободу движения отдельно стоящей скульптуре было гораздо сложнее. Важно было точно рассчитать равновесие статуи и перенести тяжесть тела с двух ног на одну. Как только скульпторам удалось решить эту задачу, у фигур сразу же появилось много мелких, едва заметных изгибов: наклон головы, согнутое колено, прогиб спины. Все это привело к тому, что скульптура стала казаться живой, способной двигаться, более динамичной, схваченной в энергичном движении. В V в. до н. э. греческий скульптор Поликтет из Аргоса установил канон гармоничных пропорций человеческой фигуры, просуществовавший более ста лет. Согласно этому канону, длина ступни должна составлять 1/6 длины тела, а высота головы — 1/8. Греки достигли высокого мастерства в скульптурной передаче жизнеподобия и экспрессии. Не случайно в этой стране возник миф о Пигмалионе, который влюбился в созданную им статую, настолько она выглядела живой, а богиня Афродита оживила статую силой его любви. Среди семи чудес света упоминались две греческие скульптуры: статуя Зевса работы Фидия из его храма в Олимпии (от 12 м до 17 м в высоту) и гигантская статуя Колосса Родосского скульптора Хареса. Эту статую жители острова Родос посвятили богу солнца Гелиосу, защитившему их от врагов. Она было изготовлена из глины на металлическом каркасе, а снаружи обшита бронзовыми листами. Однако простояла она недолго: Колосс был разрушен землетрясением, а его обломки пролежали на земле около тысячи лет.

Стремление к возведению монументальных, гигантских скульптур было свойственно не только грекам. В разные эпохи подобные сооружения возникали у различных народов. До сих пор люди, приезжающие на тихоокеанский остров Пасхи, поражаются видом многочисленных моаи — монолитных гигантских статуй, вырубленных в камне. Эти статуи имели ритуальный характер и изготавливались до XVI в. Только недавно европейским ученым удалось выяснить, каким образом жители острова, не имея современных технических средств, перемещали эти многотонные сооружения от каменоломен до места их установки. Неизгладимое впечатление производили также две колоссальные статуи Будды в долине Бамиан в Афганистане, вырубленные в горе в V–VI вв. Их высота превышала 50 метров, они были позолочены, с бронзовыми масками. Гибель этих статуй была вызвана не природными катаклизмами, а невежеством и религиозным фанатизмом: в 2001 г. их взорвали талибы. В первой половине ХХ в. в США, в штате Южная Дакота, был создан грандиозный барельеф — в гранитной горе Рашмор вырублены портреты четырех американских президентов (Джорджа Вашингтона, Томаса Джефферсона, Теодора Рузвельта и Авраама Линкольна).

Скульптурная традиция Древнего Рима во многом наследовала греческой и подражала греческим образцам. После падения Греции и завоевания ее Римской империей в Рим было переправлено множество греческих скульптур. С них часто делали копии, благодаря чему мы сейчас имеем представление о греческой скульптуре, которая в большинстве случаев в оригинале не сохранилась. У римлян была традиция увековечивать в скульптурных изображениях политических и военных деятелей, а также создавать скульптурные портреты своих предков. Но в отличие от греков, ваявших идеального человека, римляне стремились к портретному сходству, а творческий почерк мастера был не столь важен. Поэтому характерной чертой римской скульптуры был не психологизм модели, а фотографичность, реализм и некоторая холодность образа. Такая особенность, вероятно, объясняется древним римским обычаем снимать восковые маски с умерших. К концу существования Римской империи (конец III в. — начало IV в.) скульпторы начинают передавать внешность модели очень упрощенно, не заботясь о внешнем сходстве: наступала эпоха христианства, в которую больше внимания уделялось духовному началу в человеке, нежели его облику.

Скульптура раннего христианства играла второстепенную роль по сравнению с архитектурой и живописью. Это было связано с библейской заповедью не сотворять себе кумиров; соответственно, скульптура не должна была напоминать древних языческих идолов. В этот период не изображали человека в натуральную величину, отдавая предпочтение мелким и не очень объемным формам: скульптурными сценками на библейские темы украшали мраморные саркофаги и вырезанные из слоновой кости диптихи (соединенные друг с другом таблички для записи).

Искусство средневековья обогатилось сюжетами мифологии и фольклора, которые принесли с собой с востока германские племена. Мотивами животного и растительного мира («звериный стиль»), а также абстрактным орнаментом украшали различные предметы мелкой пластики: пряжки, детали одежды, украшения, навершия кораблей и т. д. С XI в. начинает возрождаться монументальная каменная скульптура, но пока еще как архитектурный элемент, прежде всего в христианских храмах. Это было важно, поскольку помимо украшения храма скульптура наглядно рассказывала неграмотным людям о христианских истинах. Фасады готических европейских соборов почти сплошь покрыты скульптурными изображениями евангельских сцен. Например, в Шартрском, Амьенском соборах, в соборе Парижской богоматери таких скульптур около двух тысяч. В конце средневековья, в эпоху поздней готики, наиболее типичными работами скульпторов являются резные деревянные позолоченные алтари, очень сложные по технике исполнения и огромные по размерам. Особой популярностью они пользовались в немецкоязычных странах.

Скульпторы эпохи Возрождения обратились к опыту и сюжетам античного искусства. Они преодолели характерную для средневековой пластики скованность статуй, а портретное сходство соединили с выразительностью фигуры, которая воспринималась как тело, способное к движению. В эту же эпоху скульпторы бросили вызов средневековым запретам на изображение обнаженного тела. Появляются отдельно стоящие скульптуры, не связанные с храмами, большую популярность приобрели конные статуи и скульптурные композиции для надгробий.

Искусство скульптуры развивалось не только на территории Европы, но было распространено также на Ближнем и Дальнем Востоке. В мусульманском искусстве из-за запрета на изображение живых существ, сформулированного в исламе, не было создано отдельно стоящих скульптур, зато было развито искусство резьбы. Своеобразная мусульманская «скульптура» воплотилась в предметах быта — сосудах для фруктов и воды, подсвечниках, курильницах для благовоний, которые украшались резным растительным или геометрическим орнаментом, с включением в него животных и фигурок людей, представляющих сценки из придворного быта. Намного более богата и разнообразна скульптура стран Дальнего Востока. На территории Индии, Китая, Японии, Непала, Бирмы и других стран находится множество скульптурных изображений Будды (сидящего, стоящего, лежащего), а также других мифологических персонажей и объектов религиозных верований; фасады храмов богато украшены затейливыми скульптурами и рельефами. Скульптуры часто служили погребальными предметами и являлись необходимым атрибутом древних захоронений. Одно из наиболее грандиозных таких захоронений открыли в 1974 г. в Китае. В могиле китайского императора Цинь Шихуанди, умершего в 210 г. до н. э., обнаружили так называемую «терракотовую армию» — более 8000 фигур воинов и лошадей, вылепленных из терракоты (обожженной глины). Все воины выполнены в человеческий рост, у каждого из них уникальные черты, выражение лица и одеяние. Помимо ритуальных или архитектурных скульптур на Дальнем Востоке создавали и прикладные изделия. Например, в Японии из керамики, фарфора, дерева, кости или рога вырезали маленькие фигурки — нэцкэ. Традиционная японская одежда — кимоно — не имела карманов, поэтому мелкие предметы клали в маленькие ящички или кисеты, которые шнуром перекидывались через пояс кимоно, а нэцкэ служили противовесом и одновременно украшением.

Дальнейшее развитие скульптуры отражало черты стилей разных эпох, а ваятели привносили новое понимание идей античного искусства. Значительные изменения в скульптуре произошли в конце XIX в., когда творцы отказались от выработанных веками канонов красоты. Скульптуры, созданные в новой технике, допускали неправильности, шероховатости, их отличительной чертой стала намеренная незавершенность, необработанная поверхность, следы прикосновений автора. Это делалось для большей художественной выразительности. Но настоящая революция в скульптуре, как и во всех сферах искусства и жизни, произошла в ХХ в. Скульпторы создавали новые, невиданные доселе формы, которые не копировали природу; появились беспредметные, абстрактные скульптуры. Мастера стали использовать новые материалы (например, пластик), сочетать различные техники, создавать свои творения из обломков механизмов и деталей или же превращать готовые изделия массового производства в произведения искусства, просто изменив их функцию. Так, например, французский художник Марсель Дюшан на лопате для уборки снега поставил свою подпись и дал своему творению неожиданное название «Впереди сломанной руки», тем самым объявив ее художественным объектом.

Чтобы создать скульптуру, от творца требуется очень много усилий, знания и терпения. Он должен быть прежде всего художником, поскольку начинается скульптура с многочисленных эскизов на бумаге или холсте, затем воспроизводится в мягком материале (глине, воске, пластилине) и только потом воплощается в конечной форме. По словам Микеланджело, задача скульптора состоит в том, чтобы отсечь все лишнее и освободить будущую скульптуру из плена мраморной глыбы. Скульптор должен обладать знаниями архитектора, чтобы уметь вписать статую в окружающий ландшафт. Ему надо разбираться в свойствах различных материалов, ведь он работает с металлами, камнем, деревом. Он должен отлично знать анатомию, чтобы передавать не только контуры фигур, но и движение. Будущие скульпторы до сих пор изучают расположение мышц человеческого тела по произведению «Экорше» французского скульптора Жана-Антуана Гудона (1766) — фигуре, лишенной кожного покрова. Скульптор должен обладать и инженерным талантом, чтобы установленная скульптура сохраняла равновесие.

Любая скульптура воплощает вкусы и идеалы своего времени, и чтобы понимать смысл скульптуры, необходимо представлять себе культурный фон эпохи ее создания.