Загадки Санкт-Петербурга

Вход для учителя
Вход для ученика

Алфавитный указатель статей

А
27 статей
Б
19 статей
В
11 статей
Г
10 статей
Д
12 статей
Е
3 статьи
Ё
Нет статей
Ж
6 статей
З
7 статей
И
7 статей
Й
Нет статей
К
21 статья
Л
6 статей
М
26 статей
Н
12 статей
О
6 статей
П
37 статей
Р
13 статей
С
34 статьи
Т
21 статья
У
Нет статей
Ф
11 статей
Х
1 статья
Ц
5 статей
Ч
2 статьи
Ш
4 статьи
Щ
Нет статей
Ъ
Нет статей
Ы
Нет статей
Ь
Нет статей
Э
3 статьи
Ю
1 статья
Я
Нет статей

Живопись

автор — Чижик

Живопись

Люди начали рисовать красками очень давно — в эпоху позднего палеолита (каменного века), т. е. примерно 35 тысяч лет назад, а может быть, и гораздо раньше. Многие из картин первобытных людей до нас дошли. Как им это удалось? Только благодаря тому, что древние художники создавали произведения на стенах своих жилищ — пещер, где они были защищены от атмосферных разрушений, где поддерживается примерно одинаковая температура. Те рисунки, что сохранились, находят в разных странах мира, часто эти находки случайны, так как древние художники рисовали свои картины не у входа в пещеру, а в укромных уголках. Так на территории Испании во второй половине XIX в. случайно обнаружили наскальную живопись в пещере Альтамира. Наибольшее же число пещер с наскальными росписями находится во Франции. На этих росписях — изображение животных и сцен охоты.

Наскальная живопись была только первым проявлением творчества древнего человека, но имела и чисто практическое назначение — эти изображения служили частью магических ритуалов для удачной охоты: «убивая» рисунок животного, человек получал власть над самим животным. В качестве красок первобытные художники использовали естественные красители (охра, марганец), древесный и костный уголь. Научившись обжигать минералы, древние живописцы получили разнообразную палитру: оттенки коричневого и черного, темно-вишневый, алый, белый, синий цвета. Пигмент (краситель) растирали в пыль и смешивали с водой, животным жиром или растительными соками. Рисунки наносились с помощью разжеванных концов палочек, пальцами, перьями птиц и мехом животных, также использовались подушечки из шерсти или мха.

В Древнем Египте, Древней Греции и Древнем Риме развитие живописи сделало качественный скачок. От Древнего Египта до нашего времени сохранились в основном пирамиды и гробницы. По ним мы и судим о живописи древних египтян, так как внутренние стены гробниц украшены росписями — изображением сцен из земной жизни, загробного мира и встреч умершего с божеством. Подобная живопись связана с религиозными ритуалами и культом мертвых, она служит для передачи информации в иной (загробный) мир. Фигуры людей и животных древними египтянами чаще всего изображались схематично, а в композиции картин отражалась жесткая иерархия общества того времени: фараоны и боги всегда изображались большего размера, чем остальные. Краски наносились на белый (известковый или глиняный) грунт, для их долговечности в минеральных и земляных пигментах стали использовать связующие вещества (яичный белок, различные растительные смолы).

Живопись Древней Греции часто называют вазописью, поскольку от этого периода сохранились в основном расписанные керамические (глиняные) сосуды, вазы, амфоры. Греческие художники любили использовать в росписях геометрический орнамент. Для сюжетов выбирали греческие легенды и мифы, бытовые и исторические сцены, рисовали натюрморты, портреты и пейзажи. Греческие художники, в отличие от художников Древнего Египта, отошли от схематичности в живописи, создали иллюзию объемного изображения с помощью искусства перспективы и знания анатомии человека и животных. В росписях на амфорах использовались два основных стиля: чернофигурный стиль, когда на красном фоне изображались черные фигуры, и противоположный ему краснофигурный. Позднее появилась вазопись на белом фоне и с объемными элементами. Лучшие мастера стали подписывать свои вазы. Были в Древней Греции и другие виды живописи, в основном фрески и мозаики. Они украшали храмы, гробницы и жилища людей. Возникшая в Древней Греции живопись на доске и холсте, выполненная в технике энкаустики (краска смешивалась с жидким воском), клеевыми красками и темперой (смесь пигмента с яичным желтком), до нас не дошла, поэтому о мастерстве греческих художников мы можем судить только по литературным свидетельствам и по сохранившимся более поздним копиям и подражаниям.

Живопись Древнего Рима была во многом подражательной и вторичной по отношению к древнегреческой. Из сохранившихся произведений нам известны в основном настенные росписи, бóльшая часть которых была обнаружена при раскопках Помпей, Геркуланума, а также в Риме и его окрестностях. Образцы римской живописи мы находим на вывесках торговых помещений, в мастерских ремесленников, на фасадах и в интерьерах домов, на плоских стенах которых древнеримские художники иллюзорно воспроизводили объемные архитектурные элементы: колонны, фризы, карнизы и портики. Ярким примером такого иллюзорного стиля является комната Иксиона в доме Веттиев, раскопанном в Помпеях. В этой комнате на стенах, раскрашенных под мраморные плиты, нарисованы окна, через которые виден город; висят картины, заключенные в объемно написанные рамы, и т. д. О живописных римских портретах можно судить по описаниям современников, а также по фаюмским портретам, написанным на деревянных досках в технике энкаустики, обнаруженным в Фаюмском оазисе в Нижнем Египте.

Когда в ряде стран в качестве государственной религии утверждается христианство, живопись по преимуществу становится церковной. Так, например, раннехристианское византийское искусство представлено фресками в церквях, мозаиками, иконами, иллюстрациями и миниатюрами в рукописях. Сюжетами для византийских художников служили сцены из Священного Писания, жизни Иисуса Христа, житий святых. В отличие от искусства античности, которое достигло высот в реалистическом изображении тел, для раннехристианской иконописи и мозаики важнее было передать эмоциональное восприятие образа. Изображение фигур и предметов не было плоскостным, но они не выглядели и как предметы трехмерного, объемного мира. Постепенно к VIII в. выработался строгий канон, по которому писали иконы; достоверность и историческое сходство при этом не имели значения. Не имело значения и имя художника, его задачей было лишь передать Божий образ. И в ранней христианской и в средневековой живописи господствовал принцип анонимности автора.

Все стороны жизни средневековой Европы: философия, мораль, право, экономика, литература и искусство — подчинялись христианству. Языком науки, поэзии и искусства, языком богослужений была непонятная простым, неграмотным людям латынь. И только живопись говорила с простолюдинами на понятном им языке, рассказывала им о мире. Она представлена в рукописных книгах в виде миниатюр на христианские сюжеты, в витражах готических соборов, на картинах и фресках художников. Для средневекового изобразительного искусства характерно использование стилей различных германских народов, заселивших в то время Европу, в частности так называемый звериный стиль, сочетавший мотивы растительного и животного мира, а также абстрактные образы. Средневековые художники (например, Джотто) теперь подписывают свои произведения. Они не хотят оставаться неизвестными.

На совершенно иной уровень живопись вышла в эпоху Возрождения; история живописи с XV в. — это история развития сюжетов, жанров, направлений и техник. С этого времени появляется картина как тип живописного изображения, отличная от иконы. Как и иконы, картины продолжали писать для храмов, сюжеты использовались по преимуществу церковные, разница состояла в том, как воплощалось изображение: для зрителя становится важным мастерство художника. Если икона изображала мир в целом, сочетая в одном образе события разного времени, персонажей, существовавших в разные эпохи, то картина изображает только то, что видно внутри ограничивающих ее рамок, картина — это своеобразный вид в окне. Икона показывает мир, созданный Богом, а картина — тот мир, который существует в земной реальности. И в отличие от иконы, создание которой считалось божественным актом, в картине ценили творчество конкретного художника. С этой эпохи искусство перестает быть анонимным. В эпоху Возрождения в живописи появляются светские и античные сюжеты, развиваются разнообразные жанры (портрет, натюрморт, пейзаж), появляются новые техники и материалы: например, масляная краска, с помощью которой можно было получить множество оттенков цвета и передать фактурность и трехмерность изображения. А одним из первых художников, начавших писать акварелью, был немецкий художник Альбрехт Дюрер.

До XIX в. европейское искусство развивалось, следуя изменениям в мировоззрении общества, в философии, экономике и бытовом укладе, сменяя направления и стили: высокое Возрождение сменилось маньеризмом, за которым последовали барокко и рококо. Национальные живописные школы появились не только в Италии, но и в Нидерландах, Франции, Англии, Германии.

Русская живопись развивалась по особому пути. Это было связано с длительной культурной изоляцией страны от Европы. До XVIII в. на Руси светская живопись не была распространена, существовали в основном фрески и иконы. Иконопись Киевской Руси не была самобытной, а опиралась на византийские каноны. Ранние иконы создавались приглашенными из Византии мастерами, лишь к XV в. на Руси сложилась собственная традиция и школа иконописи. Прообраз светского портрета представителей знати, царей и церковных иерархов — парсуна — появился только с конца XVII в., а начиная с Петровской эпохи (см. Петр I) русским искусством активно усваиваются жанры светской живописи и оно развивается параллельно европейскому.

XIX в. характеризуется крайней неоднородностью стилей: это время новаторства, экспериментов в искусстве, которое подготовлено предшествующей эпохой Просвещения. В XIX в. расцветает станковое искусство (живопись и графика), художники обращаются к сфере частной жизни, заказчиками и покупателями произведений искусства становятся не только представители светской и духовной элиты с изысканными вкусами, но и буржуазия, обладавшая зачастую не столь возвышенными требованиями. Общественное сознание и культура освобождаются от довлеющей церковной идеи, и искусство перестает быть исключительно религиозным. Эксперименты и искания художников в тематике картин, технике нанесения краски приводили к появлению разнообразных художественных течений, боровшихся между собой и сменявших друг друга. Важнейшей чертой живописи XIX в. было обретение художником, творческой личностью права выбирать и истолковывать содержание своих произведений.

Веком революций в живописи стал период конца XIX в. и весь ХХ в. В этот период в живописи появилось множество художественных направлений, течений и групп, творчество которых различалось по способу интерпретации изображаемого. В последней трети XIX в. ярко заявил о себе импрессионизм (от французского слова «впечатление») — направление в искусстве, возникшее во Франции. Импрессионисты отказались от жанровой специфики живописи и от заранее продуманных сюжетных композиций, а сосредоточили внимание на передаче своих впечатлений от материального мира (прежде всего природы) с помощью света и цвета. Они вышли из своих мастерских на пленэр (открытый воздух) и стремились закончить работу над конкретным произведением за один световой день. Для живописи импрессионистов характерны чистые яркие цвета; раздельно положенные мазки и размытость контуров, оптически смешиваясь в восприятии зрителя, создают эффект свежести и непосредственности восприятия картины. Импрессионизм оказал огромное воздействие на все последующее развитие изобразительного искусства, с него начался новый этап художественной культуры.

В самом начале ХХ в. также во Франции образовалось новое художественное течение — фовизм (от французского слова «дикий»). Его представители не стремились отражать действительность, их целью была реальность, выраженная через эмоции. Поэтому картины фовистов пестрят яркими красками, которые не встречаются в мире природы (на полотнах часто можно увидеть синее лицо, желтое дерево или зеленое небо), а у предметов искажены контуры. Художники другого направления, кубизма, пытались осознать действительность, разложив ее на геометрические фигуры. На их картинах предметы расчленяются на множество граней и геометрических элементов (цилиндр, шар, конус, куб), которые затем определенным образом компонуются на плоскости холста.

В первой четверти ХХ в. в Германии возник экспрессионизм, суть которого заключается в обостренном выражении чувств и переживаний художника, состояния его души, прежде всего тревоги, страха, тоски, безысходности. Одной из наиболее ярких и известных картин этого направления является «Крик» норвежского художника Эдварда Мунка. Абстракционизм как направление в искусстве зародился в 1910-х гг. Это беспредметное искусство, абстрактные картины основаны на линиях, цветовых пятнах, отвлеченных конфигурациях. Картина Казимира Севериновича Малевича «Черный квадрат» стала символом абстрактного и — шире — всего авангардного искусства. Еще одним значимым художественным направлением стал появившийся в 1920-х гг. сюрреализм. В своих картинах сюрреалисты пытались стереть границы между сном и реальностью, между бессознательным и сознательным, а своим духовным отцом они считали австрийского врача-психиатра Зигмунда Фрейда. Наиболее ярко идеи сюрреализма воплощены в полотнах испанского художника Сальвадора Дали.

ХХ в. был богат на философские идеи и художественные течения, помимо названных возникли дадаизм, футуризм, поп-арт, оп-арт, гиперреализм и многие другие направления. Мир в ХХ в. изменился, стал более тревожным, напряженным, динамичным, а живопись, как и остальные виды искусства, не могла остаться в стороне от этих изменений.